Les musées veulent 2 show u memez maintenant. Ils doivent faire attention.

A. Eva et Franco Mattes, Ceiling Cat, 2016. (Eva and Franco Mattes/Postmasters Gallery et Team Gallery)

SAN FRANCISCO — À la fin de l'exposition Snap+Share, les visiteurs du Musée d'art moderne de San Francisco verront un petit chat les regarder depuis un trou rectangulaire grossièrement découpé dans le plafond. Il s'agit de Ceiling Cat, une œuvre de 2016 d'Eva et Franco Mattes, qui ont utilisé un chaton de taxidermie pour recréer l'un des mèmes les plus populaires et les plus persistants d'Internet : une image du félin accompagnée de variations sur la phrase Ceiling Cat vous regarde . . .

Le mème original de Ceiling Cat est apparu il y a plus de dix ans, avec le slogan Ceiling Cat vous regarde vous masturber. Mais il s'est transformé et a évolué avec la rapidité habituelle de la culture en ligne. Parmi les nombreuses itérations se trouve le chat de plafond en tant que Dieu créateur, parlant dans la traduction mème lolcat de la Bible : Au début, pas de lyte. Un chat au plafond sayz, je peux haz lite? Un petit wuz.

Comme plusieurs autres œuvres de l'exposition, la sculpture de Mattes rend physique quelque chose qui existe principalement dans l'environnement sans poids et sans substance d'Internet. Il capture à la fois le caractère ludique de la culture qui a évolué autour de la capture et du partage d'images, en particulier des mèmes, même s'il suggère le côté le plus sombre de la surveillance et du contrôle latent dans nos réseaux sociaux. C'est aussi la principale image marketing de l'exposition, et peut-être l'un des rares faux pas dans la curation de cette exposition par ailleurs stimulante et éclairante.

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Juste au cas où vous pourriez manquer Ceiling Cat (qui est petit et au-dessus du niveau des yeux), le musée a une petite note sur le mur : voyez l'œuvre d'art au milieu du plafond dans cette galerie. Les photographies sont non seulement autorisées mais encouragées. Avec cela, un peu de distance critique s'effondre, et la chose qui était autrement examinée sans passion – comment nos habitudes de transmission d'images ont évolué au cours du siècle et demi dernier – ressemble soudain plus à un jeu auquel nous devons jouer. L'invitation à participer, à prendre une photo de Ceiling Cat, ne semble pas juste, surtout compte tenu de la tension fondamentale qui se développe dans ce spectacle - entre la participation et la conformité.

Mais bien sûr, aucun musée sur la planète aujourd'hui n'entreprendrait une émission sur les mèmes, les instantanés et les médias sociaux sans s'attendre à ce que tout le monde les instaure sur Instagram, les hashtag sur Twitter et inonde Facebook de selfies. La résistance est futile.

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Conçue par Clément Chéroux, conservateur principal de la photographie du musée, l'exposition relie notre moment actuel à une histoire plus longue et plus compliquée de diffusion d'images. Cela commence au 19ème siècle, avec l'émergence de la carte postale, qui au début du 20ème siècle en France écrasait le système postal de ce pays avec quelque 173 000 cartes envoyées chaque jour. Dans les années 1930, les photographies voyageaient également régulièrement à travers des fils, et les services de fil ont apporté les nouvelles du monde, y compris les guerres, les catastrophes et autres misères, dans nos salons, réduisant la distance et le temps de telle sorte que le monde semblait presque instantanément disponible et douloureusement intime. .

Au milieu du 20e siècle, les cartes postales en couleur et la photographie populaire ont rendu les icônes du tourisme du monde aussi familières que les fast-foods, circulant à travers des millions d'images aux couleurs vives. Et inclus dans l'exposition sont le téléphone à clapet Motorola, l'ordinateur portable Toshiba et l'appareil photo numérique Casio que l'inventeur français Philippe Kahn a utilisé pour envoyer ce qui est probablement la première image d'appareil photo de téléphone portable à un large réseau de personnes. La photographie numérique granuleuse de 1997 de sa fille, née quelques minutes plus tôt, a été reçue par un public d'environ 2 000 personnes.

Qu'est-ce qui a réellement changé avec cette révolution de la création d'images, qui a rendu les images instantanément accessibles à des milliers, voire à des milliards de personnes ? À bien des égards, rien. Les gens envoient des images par la poste depuis presque l'invention de la photographie, et nous distribuons des images de nous-mêmes bien avant l'invention du mot selfie. Peter J. Cohen, un collectionneur qui s'est concentré sur les instantanés et les photographies vernaculaires, a rassemblé un éventail large et varié d'images dans lesquelles les gens ont écrit le mot moi à côté d'une photographie, probablement d'eux-mêmes. Celles-ci couvrent des décennies de photographie en noir et blanc et suggèrent une cohérence persistante et sans surprise dans notre rapport aux photographies : nous les utilisons pour affirmer notre existence, pour marquer notre place dans le monde. Cela n'a pas changé alors même que les moyens de créer et de diffuser des images ont évolué.

Les artistes, eux non plus, n'ont pas découvert d'idées sur les réseaux sociaux et les images en circulation avec l'invention de Facebook et d'autres espaces sociaux en ligne. Le mouvement de l'art postal, dans lequel les artistes utilisent le courrier pour créer des modèles de circulation indépendants des musées ou des galeries traditionnels, et inviter la création d'images collaboratives, est bien antérieur à notre monde du snap-and-share du 21e siècle. Certaines des œuvres les plus visuellement évocatrices de l'exposition sont celles de l'artiste allemand Thomas Bachler, qui a créé de petits appareils photo à sténopé dans des boîtes en carton et les a envoyés via le système postal allemand, où ils ont enregistré passivement des photographies spectrales et accidentelles. Ils sont d'une beauté envoûtante et ressemblent un peu à des images médicales, floues et grises avec des tubes et des lignes étranges et des fils de matière apparemment organique qui les traversent.

Mais à d'autres égards, le changement est énorme, et si omniprésent qu'il est presque impossible d'en faire le point. L'installation bien connue d'Erik Kessels, 24HRS in Photos, est constituée de monticules géants de photographies imprimées issues de 24 heures de téléchargement sur les réseaux sociaux. Il a été remis en scène pour cette exposition, créant une salle remplie d'images entassées au sol et grimpant sur les murs. Cela semble inquiétant au premier abord, un avertissement du grand déluge d'images rendu possible par les appareils photo des téléphones portables et la photographie numérique. Mais c'est aussi curieusement charmant, avec les photographies qui refusent d'être poubelles, et attire le regard sur de belles personnes, des plages ensoleillées, des enfants qui jouent et tout le reste de la vie quotidienne que nous ne cessons de documenter et d'exposer.

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Il n'y a pas que le volume d'images qui a changé. Les gens, en particulier les jeunes, parlent ou conversent désormais en images, envoyant des images au lieu de mots, pour exprimer leurs pensées et leurs sentiments. Et il y a une prise de conscience croissante de la façon dont notre dépendance aux smartphones devient pathologique, une dépendance qui disperse l'attention et gaspille notre relation aux vraies choses et aux vraies personnes. L'artiste Kate Hollenbach fait allusion aux changements psychologiques que cela implique dans une œuvre vidéo intitulée phonelovesyoutoo, dans laquelle elle a configuré son téléphone pour enregistrer une vidéo d'elle chaque fois qu'elle s'y associe, pour consulter son courrier, surfer sur le Web ou utiliser sa fonction GPS. Le résultat est une matrice de petites vidéos du même visage, dans des espaces clairs et sombres, matin, midi et soir, au lit, dans la rue, en marchant dans les immeubles, une forme auto-imposée de surveillance inversée. La valence émotionnelle de cette grille d'images de la taille d'une pièce est celle de la nervosité, de l'agitation, de l'énergie agitée et non dirigée et de la dissonance.

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Ensuite, il y a Ceiling Cat, qui vient juste après la vidéo évocatrice de Hollenbach. C'est un bon début de conversation pour le monde des musées, une façon de réfléchir aux dangers et aux opportunités d'expositions comme celle-ci. Les musées d'art sont exactement le genre d'institutions qui peuvent traiter un sujet vaste et complexe comme Snap+Share, qui implique non seulement des changements dans la culture visuelle, mais aussi des changements sociaux, technologiques et psychologiques.

Mais il y a toujours le danger de trop s'empêtrer dans le sujet. Les institutions culturelles ont soif du genre d'énergie qui semble circuler dans les circuits d'Internet. Ils ont soif du public qui a grandi avec ces systèmes de création et de distribution d'images, et ils ont soif de l'argent des personnes dont la fortune a été faite lors de la ruée vers l'or numérique. Il y a aussi une tendance, pas rare chez les professionnels des musées, à considérer le monde exploré dans des émissions comme Snap+Share comme le futur, et parce que tout le monde veut appartenir au futur, il y a une sorte d'approbation tacite de la technologie, qui apporte avec elle une approbation implicite de l'industrie derrière elle.

C'est une petite chose, mais cette exposition aurait été plus forte si elle n'avait pas invité le public à participer. Plafond Cat, en tant qu'œuvre d'art, est une invitation à la réflexion. Mais en invitant les visiteurs à dématérialiser la sculpture du Chat au plafond en un mème Internet, le conservateur semble dire : Tout cela s'est bien passé. Le détachement critique du spectacle est remplacé par des roucoulements, des rires et des vibrations de bien-être. L'exposition équilibre intelligemment l'observation historique d'un phénomène ancien - notre besoin de faire connaître notre présence dans le monde aux autres - avec des observations lucides sur la façon dont la technologie change notre vie intérieure et nos relations sociales. Mais avec Ceiling Cat et d'autres invitations à prendre des photos et à les envoyer dans le monde, le spectacle succombe à la fin à la pensée magique avec laquelle nous gardons nos angoisses à propos de la culture des médias sociaux à distance : peu ironiquement.

Un spectacle vraiment radical ne nous laisserait pas décrocher si facilement. Cela aurait exigé que les gens laissent derrière eux l'impulsion de prendre des photos et de partager suffisamment longtemps pour explorer ce que la prise de vue et le partage nous font.

Snap+Partager Jusqu'au 4 août au Musée d'art moderne de San Francisco. sfmoma.org .

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