Une première œuvre de Warhol, de 1956, était dédiée à Christine Jorgensen, une femme trans qui a fait les gros titres dans les années 1950 après avoir subi une opération de réassignation sexuelle. (Sammlung Froehlich/Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Artists Rights Society (ARS) New York)
Par Philippe Kennicott Critique d'art et d'architecture 1 février 2019 Par Philippe Kennicott Critique d'art et d'architecture 1 février 2019
NEW YORK – Nous vivons avec Andy Warhol à peu près de la même manière que nous vivons avec le matériel visuel qu'il a reproduit et exploité – la vaste Americana de produits de consommation, de stars de cinéma et d'actualités. Il a cherché à revendiquer cette iconographie en tant qu'art, à exploiter son pouvoir de séduction et à imiter la manière dont elle circule, et finalement une grande partie de son propre art est devenue indiscernable de la culture commerciale qu'il admirait et parodiait à la fois. Il est omniprésent et presque invisible, à moins que vous n'essayiez de le définir et de lui donner un sens. Et puis cela semble étrange, fantasmagorique et un peu étranger, d'une manière qui fait que son semblant d'amusement bénin ne semble pas tout à fait de bonne foi.
Entrez dans n'importe quel musée d'art moderne ou contemporain et découvrez Warhol, probablement l'une de ses sérigraphies de Marilyn Monroe, du président Mao ou de Jackie O, des images colorées à la fois rassurantes et émotionnellement muettes. Dans un musée, ils fonctionnent un peu comme des enseignes commerciales historiques qui seraient accrochées à l'extérieur des magasins - un poisson pour indiquer un poissonnier, des ciseaux pour un tailleur, des lunettes pour un opticien. Les peintures de Warhol disparaissent souvent dans leur fonction sémantique : désigner le business de l'art moderne. Ou ils fonctionnent comme des stations obligatoires lors de la visite guidée par un guide : voici un Warhol et c'est pourquoi Warhol est important. L'engagement est réflexif et à bien des égards superficiel, et si vous pensez, peut-être, que son travail couvre nos musées comme le papier peint, le guide peut dire, Exactement, et Andy a également fait du papier peint.
Les Marilyn's et Mao's et Jackie O's sont maintenant tous exposés dans le Whitney Museum of American Art grande rétrospective Warhol. Il en va de même pour le papier peint, dans une petite galerie à côté de l'exposition principale, où les surfaces sont recouvertes de ses vaches et de ses fleurs aux couleurs vives. L'exposition occupe tout le cinquième étage, ainsi qu'une galerie de moniteurs vidéo au troisième étage et une autre galerie au rez-de-chaussée consacrée aux portraits. Et au-delà du Whitney, il y a une autre exposition Warhol, au Académie des Arts de New York , une installation de plus de 150 de ses dessins.
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The Whitney show, la première grande rétrospective Warhol aux États-Unis depuis 1989 musée d'art moderne exposition, est organisé à la fois chronologiquement et thématiquement en 19 chapitres. Il comprend les premiers travaux de Warhol en tant qu'étudiant en art à Pittsburgh et artiste commercial à New York : ses peintures et dessins basés sur des journaux ; ses images désastreuses ; son imagerie Pop classique du début des années 1960 jusqu'à sa retraite de la peinture en 1965 (c'était plus un point d'inflexion qu'un adieu) ; ses projets cinématographiques, vidéo et médiatiques ; et ses grandes œuvres finales, dont Camouflage Last Supper de 1986, dans laquelle une reproduction du chef-d'œuvre de da Vinci est recouverte, mais pas entièrement obscurcie, par le clin d'œil timide de Warhol à l'abstraction, une superposition de camouflage de style militaire.
L'histoire de la publicité continue sous la publicitéLes multiples chapitres d'Andy Warhol : From A to B and Back Again offrent un éventail de Warhols possibles, et il est clair que la commissaire Donna De Salvo a voulu souligner à la fois la multiplicité de ses efforts et leurs interconnexions. C'est un effort pour humaniser Warhol, pour le sauver de l'invisibilité glaciale de sa réputation de Pop Art, pour faire en sorte qu'un homme qui a dit un jour La raison pour laquelle je peins de cette façon est que je veux être une machine un peu moins mécaniste. L'exposition du MoMA de 1989 s'est concentrée sur la période Pop Art classique de Warhol, et depuis lors, il a été revendiqué en tant qu'artiste gay, artiste médiatique, artiste conceptuel, philosophe du postmodernisme et oracle de l'ère numérique, et comme un peintre de nuances et d'émotions, pas seulement une machine à faire des sérigraphies.
La rétrospective grand format sert bien certains artistes, d'autres non. La forme particulière d'abondance de Warhol s'approfondit au fur et à mesure que l'on en voit, même si le Pop Art pour lequel il est le plus connu semble résolument silencieux lorsqu'il est vu isolément. Ses dessins préfigurent non seulement son intérêt pour l'imagerie commerciale, mais aspirent également à une distillation visuelle de la ligne et de la forme qui fait que son choix de reproduction sérigraphique semble une excroissance naturelle de son travail dessiné à la main.
Les premières peintures Pop de billets de plusieurs dollars, de timbres verts S&H et de bouteilles de Coca-Cola annoncent une fascination de longue date pour les idées de monnaie, de circulation et d'échange. Les peintures grand format Rorschach Blot de Warhol des années 1980 rappellent la technique du buvard qu'il utilisait lorsqu'il était jeune artiste pour créer des dessins à l'encre délicats et légèrement hésitants. Même la délicatesse et l'humour doux de ses premiers dessins semblent liés à son auto-invention ultérieure en tant que personnage public. Ils sont à la fois retirés et décalés, émergeant du substrat de timidité sur lequel s'est construit l'énigmatique Andy la Superstar.
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Quelques décisions de conservation au Whitney ont tendance à renforcer la réflexion réflexive sur Warhol. Une série d'images sexuellement explicites - un portfolio de 1979 intitulé Sex Parts - est discrètement placée sur le côté d'un grand panneau mural et facilement ratée. Cela semble une concession à la même homophobie qui a poussé Warhol à diffuser ces images en privé. Et le musée a consacré une galerie au rez-de-chaussée, accessible au public sans payer l'entrée de 25 $, aux portraits de Warhol. Ils sont accrochés à la manière d'un salon, du sol au plafond, et le nombre d'entre eux, ainsi que la variété follement éclectique de leurs sujets (dont le shah d'Iran et RC Gorman, peintre de scènes sentimentales amérindiennes), souligne le rôle pragmatique qu'ils ont joué. dans le modèle économique de Warhol. Il les appelait l'art commercial, et l'argent qu'il en gagnait l'aidait à subventionner certaines de ses entreprises les moins lucratives. Mais étant donné à quel point cette exposition veut changer la conversation sur Warhol, il semble étrange de limiter le public non payant à son travail le plus transactionnel et peut-être cynique.
L'histoire de la publicité continue sous la publicitéComme les grandes conventions politiques, les grandes rétrospectives génèrent souvent des énergies souvent insoutenables. Après tous ces mélanges de bien-être et les promesses d'engagement en faveur d'une réforme noble, les délégués rentrent chez eux et rien ne change grand-chose. Que restera-t-il après la fin de cette exposition ambitieuse et éclairante ? Les derniers travaux de Warhol, y compris le Camouflage Last Supper, les grandes images de Rorschach et les Sixty Three White Mona Lisas géantes et horizontales revigorent notre compréhension de ses dernières années, et un ensemble de portraits sérigraphiés de drag queens, ainsi que les images Sex Parts , aider à dissiper le mythe du virginal Andy, un rôdeur asexué en marge du New York gay.
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Mais ce sont les dessins qui font vraiment avancer le projet d'humanisation de l'artiste, notamment ceux exposés à la New York Academy of Art. Nous voyons ici que travailler directement sur papier est resté un débouché essentiel pour les énergies de Warhol tout au long de sa carrière, et non, comme le suggère le site Web de Whitney, une habitude qui a défini Warhol avant Warhol. Ses dessins sont étonnamment confiants, avec seulement quelques signes de révision ou de remise en question apparents dans les premières incursions d'étudiants.
Warhol a exploité le pouvoir du désir sexuel précoce en réalisant des portraits audacieux mais élégants d'hommes (et de parties du corps d'hommes) dans un style rappelant le dessin de Jean Cocteau, et leur intimité ne ressemble à presque rien d'autre dans le canon de Warhol. Un sous-ensemble fascinant de ce travail est visible à la fois dans les expositions Whitney et Academy : des parties du corps, en particulier des pieds, mélangées à d'autres agrafes essentielles de Warhol - des billets d'un dollar, des boîtes de soupe Campbell's - et d'autres objets, y compris un biplan jouet. D'autres dessins suggèrent un intérêt pour les estampes japonaises, une main rapide et sûre pour dessiner des paysages, ainsi que des méditations privées sur son imagerie publique, y compris l'intérêt tardif pour le pistolet en tant qu'icône.
L'histoire de la publicité continue sous la publicitéLe panneau de texte d'ouverture du Whitney comprend une citation de Warhol comme épigraphe : Tout le monde a sa propre Amérique. . . . Et vous vivez dans votre Amérique de rêve que vous avez faite sur mesure à partir d'art, de schmaltz et d'émotions tout autant que vous vivez dans votre vraie. Cela vaut la peine d'y réfléchir sérieusement en visitant ces spectacles, en partie parce que cela déplace l'accent de la réflexion sur l'Amérique de Warhol à la réflexion sur notre propre relation avec ces mêmes icônes. Mais il comprend aussi un mot peu pris en compte dans l'évaluation de l'héritage de Warhol : les émotions. Oui, nous connaissons l'art et le schmaltz et les jeux auxquels il a joué en éliminant la différence entre eux. Mais c'est dans les dessins de la New York Academy que l'on ressent le plus l'émotion, et si Warhol nous dit que les émotions comptent – et comptent pour son art – qui sommes-nous pour les ignorer ?
Andy Warhol : de A à B et vice-versa Jusqu'au 31 mars au Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St., N.Y. whitney.org .
Andy Warhol : à la main Jusqu'au 10 mars à la New York Academy of Art, 111 Franklin St., New York. nyaa.edu .
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