Les anciens Athéniens considéraient presque tout le monde comme des barbares, et ce snobisme s'est répandu jusqu'à nous à travers les éons. Quand nous pensons à la civilisation grecque, nous pensons à l'âge d'or d'Athènes au 5ème siècle avant JC, d'Eschyle et de Sophocle, et des hommes d'État tels que Périclès, dont l'oraison funèbre semblerait presque traître à de nombreux Américains aujourd'hui : Nous ouvrons notre ville à le monde, et jamais par des actes étrangers n'excluent les étrangers de toute occasion d'apprendre ou d'observer, bien que les yeux d'un ennemi puissent parfois profiter de notre libéralité. . . .
L'âge hellénistique est venu plus tard, inauguré par les conquêtes d'Alexandre le Grand, un Macédonien dont on se souvient encore un peu comme Napoléon, un parvenu brillant et impitoyable. Bien que l'empire d'Alexandre se soit effondré après sa mort, les fragments de ce qui restait ont fait avancer la culture grecque, souvent dans une compétition culturelle féroce les uns avec les autres, chacun revendiquant le patrimoine grec et le surpassant avec des innovations virtuoses. Et pourtant, l'héritage hellénistique est encore légèrement suspect, trop flamboyant et surmené si on en juge par les normes d'Athènes à l'apogée de son pouvoir.
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Une exposition à la National Gallery of Art, Pouvoir et Pathos : Sculpture en bronze du monde hellénistique, offre ce qui est probablement une occasion unique d'étudier un aspect essentiel de l'âge hellénistique. Dans le monde entier, il y a moins de 200 bronzes survivants des époques hellénistique et classique, et environ un quart d'entre eux sont exposés. Parmi elles figurent certaines des œuvres d'art les plus émouvantes et les plus célèbres de tous les âges, notamment un Apoxyomenos (athlète avec outil de grattage) du Kunsthistorisches Museum de Vienne, l'étonnant Eros endormi du Metropolitan Museum of Art de New York et une tête de cheval qui autrefois appartenait à Laurent le Magnifique, le souverain de Médicis, et était admiré par Donatello et Verrocchio.
Allez-y maintenant, et recommencez plusieurs fois avant la fermeture de l'exposition le 20 mars. Si vous désespérez du monde que nous avons créé, retirez-vous ici. Toute œuvre unique est un tonique ; collectivement, ils sont une merveille.
Le titre de l'exposition fait référence à l'innovation essentielle des artistes hellénistiques, l'extension de la sculpture d'un répertoire limité de corps idéaux à un langage plus expressif, naturaliste et individualisé. Les sculpteurs n'ont jamais cessé de représenter la sérénité des dieux et la perfection de la jeunesse, mais ils englobaient aussi les vieux et les infirmes, les anxieux et soucieux, les agités et les pensifs. Aux côtés d'Apollon et d'Athéna, des images d'artisans, de poètes et d'aristocrates boudeurs, dans toute leur gloire charnue, bedonnante et débauchée.
Artiste inconnu (bronze hellénistique). Faune dansant (Pan), ch. 125-100 av. (Copyright Archives de l'art, Luciano Pedicini) Bien que le marbre ait été le support préféré pour représenter l'idéal, en particulier les dieux, le bronze est devenu le support préféré pour faire des images d'humains ordinaires. Il était capable de formes plus audacieuses que le marbre. Les cheveux pouvaient s'éloigner de la tête, les bras pouvaient être représentés tendus sans supports. Il était également possible de faire plusieurs moulages de la même forme, de sorte que des milliers de bronzes ont été fabriqués dans tout le monde grec et romain, et ont pu être trouvés même à la périphérie de ce qui était alors considéré comme la civilisation.
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Pour avoir une idée saisissante de la façon dont les artistes hellénistiques ont utilisé la forme, passez du temps avec une sculpture connue sous le nom de faune dansante. C'est la même figure qui a donné son nom à la Maison du Faune à Pompéi, et lui, comme tant d'autres œuvres de l'exposition, existe aujourd'hui parce qu'à un moment donné de l'histoire, il a été perdu - dans un accident ou un naufrage, ou l'effondrement d'un bâtiment, ou dans ce cas, l'éruption du Vésuve.
Les concepteurs de l'exposition ont intelligemment positionné le faune dansant de telle sorte qu'il soit flanqué de deux statues en bronze d'Apollon, et les Apollos ne pourraient pas être plus différents de la figure de Pan excitée et ravie perdue dans un bonheur lascif. Les Apollos, bien que tous deux d'origine hellénistique, renvoient à une tradition plus ancienne et archaïque. Ils sont raides et relativement inexpressifs, et leurs visages sont génériquement beaux mais sans aucune caractéristique individuelle. Ils ont été faits pour faire appel à l'intérêt continu pour les formes grecques plus anciennes, preuve de l'étendue des goûts et de l'intérêt pour l'historicisme. Ils ont peut-être été créés pour le public grec tardif et romain précoce de la même manière que certaines personnes mettent aujourd'hui des œuvres nouvellement peintes dans un faux style de l'époque coloniale au-dessus de la cheminée.
Le Faune est une œuvre spectaculaire, de sa petite queue guillerette (le genre de chose qui serait impossible à faire en marbre) à ses tresses couronnées de glands et sauvagement négligées. Mais c'est aussi curieusement ludique et déstabilisant à la fois. Son corps est jeune et souple, tandis que le visage est apparemment plus âgé et marqué par une vie de ce que les Grecs craignaient le plus, l'excès, l'extrémité et la sauvagerie. C'est une figure composite, réunissant à la fois l'idéal et la destruction de la beauté.
Une petite statue d'Héraclès fatigué est à certains égards similaire. Le héros musclé se tient soutenu par sa massue sur laquelle est drapée la peau du lion de Némée. Son bras gauche est maladroitement positionné au-dessus du club, et son visage et son regard sont baissés pour regarder l'outil et la récompense de son travail. Le gourdin et la peau de lion déforment cependant la perfection de son physique, le faisant paraître hors de proportion et légèrement grotesque. Il. est aussi une figure composite, fils de Zeus et du mortel Alcmène, et il est pris dans un moment de contradiction : succès et épuisement, accomplissement et épuisement. L'œuvre a une sorte d'énergie circulaire qui commence avec ses yeux, traverse sa massue et remonte le côté droit du corps, pour former une boucle de sens, une reconstitution sans fin de la façon dont les êtres humains sont si souvent broyés par le même la grandeur qu'ils recherchent.
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Cette exposition est la troisième itération d'une exposition qui a débuté en mars au Palazzo Strozzi de Florence et s'est rendue au Getty Museum de Los Angeles. Il est nettement différent du spectacle présenté au Getty, qui comprenait une pièce à couper le souffle – un boxeur assis – qui devait être renvoyé à Rome avant de pouvoir voyager ici. Le Getty comprenait également une superbe juxtaposition de deux versions en bronze de l'Apoxyemenos et d'une version en bronze et marbre du Spinario (Boy Remove a Thorn From His Foot). A la place de ces œuvres, la National Gallery en a substitué d'autres, dont un magnifique Running Boy de la Villa dei Papiri dans l'ancienne ville d'Herculanum et une ravissante statue d'Artémis et d'un Cerf (le cerf la regarde avec l'intelligence et la fidélité d'un chien). La perte du Boxer est particulièrement regrettable, étant donné à quel point il représente parfaitement l'idée de pathos, mais cela échappait au contrôle de la galerie.
L'exposition de la National Gallery est plus intime, et s'il y a moins de facteur wow, il y a des moments de connexion particulièrement merveilleux. Une petite statue d'Alexandre à cheval est visible devant une reproduction d'un détail de la mosaïque d'Alexandre, un autre trésor trouvé dans la maison du faune de Pompéi. Si vous vous tenez dans la porte qui relie les troisième et quatrième salles, vous pouvez voir une statue d'un garçon enveloppé dans un manteau, le tenant fermé avec ses mains. Le garçon a l'air boudeur et triste, un adolescent dans un funk adolescent. Dans l'autre sens se trouve le torse et la tête d'un homme, trouvés dans la mer Adriatique en 1992. Il est musclé et volumineux et semble renfrogné, et son expression — est-elle autoritaire ou brutale ? décisif ou mégalomane ? - est déroutant. Il y a quelque chose de voyou chez lui.
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Vous avez peut-être l'impression que le garçon à la cape pourrait bien devenir l'homme avec l'énergie démoniaque dans l'autre pièce. Et pourtant, c'est peu probable. La statue du garçon était probablement un monument funéraire, un détail qui dissout sa pétulance dans notre pitié. Ses mains, cachées par le manteau, deviennent en quelque sorte un marqueur de son éloignement du monde. Ensemble, nous ressentons deux états différents d'être dans le monde, aux prises avec lui, ou en nous rétrécissant dans notre propre coin délimité de celui-ci.
Un peu comme les énergies tournantes de l'Héraclès fatigué, le dialogue entre ces deux personnages est séduisant – jeunesse et maturité, vie et mort, être effrayant et avoir peur. Vous pouvez vous sentir comme John Keats en contemplant une ancienne urne : Toi, forme silencieuse, tu nous fais sortir de la pensée/Comme le fait l'éternité.
Power and Pathos: Bronze Sculpture of the Hellenistic World est à l'affiche à la National Gallery of Art jusqu'au 20 mars. Pour plus d'informations, visitez www.nga.gov .
